1. Art CenterMusic10 Musikkbevegelser som endret historie

Av Michael Pilhofer

Vanskeligheten med å sette sammen en topp ti-liste over revolusjonerende musikk eller musikalske bevegelser er at så mye av det moderne vestlig sivilisasjon kjenner til revolusjonerende musikk er veldig begrenset. Historien er full av mennesker som den spanske presten Diego de Landa, som viet sitt liv til å ødelegge Maya-litteratur og historie, eller keiser Jovian, som ødela alle ikke-kristne tekster og musikalske partitur i Library of Antioch, eller Genghis Khan, som berømt sparket og ødelagt bibliotekene i Iran og Irak.

Følgende kan bare betraktes som en delvis liste over noen av de revolusjonerende teknikkene som endret musikk generelt, så vel som noe av den revolusjonerende musikken som forandret verden.

800 A.D. England, gregoriansk sang

Gregoriansk sang kan ikke virke som en revolusjonerende form for musikk, ved at dens historie og bruk nærmest er uløselig knyttet til den romersk-katolske kirke - den er til og med oppkalt etter pave Gregor I, som blir kreditert for å popularisere formen. Men siden musikk var en så viktig del av gudstjenestene, og så mye av den vestlige sivilisasjonen var påvirket av hva som ble tillatt og ikke tillatt av den tidlige kirken, er det fornuftig at fremkomsten av det er et utgangspunkt for mange musikalske nyvinninger og revolusjoner.

Gregoriansk sangmusikk

Et stykke tilbake i dagene da all underholdning var live, var en av de mange grunnene til at mange mennesker strømmet til gudstjenester for underholdningsverdien - mye arbeid og penger ble strømmet inn i byggingen av middelalderkirker, noe som resulterte i enorme, vakre bygninger med fantastiske akustikk for koropptredener. På 900-tallet begynte pave Gregor I å samle salmer fra mindre landskirker og plukket ut det beste som skulle brukes i vanlige gudstjenester i hele Europa. Fordi musikkinstrumenter ikke var tillatt i kirken den gang, ble alle salmene samlet inn en cappella, vanligvis av et helt mannskor. Mens de fleste musikkteoretikere bestrider forestillingen om at pave Gregor I oppfant gregoriansk sang, er det godt forstått at mannen var en ekte musikkelsker, og dedikerte det meste av livet sitt med å oppsøke, samle og introdusere musikk til massene.

Det definerende trekk ved gregoriansk sang er at den er utført monofonisk a cappella. I monofonisk musikk fremføres en enkelt musikalsk linje av en eller flere stemmer, uten kontrasterende harmoni. Jo flere stemmer du setter sammen i en monofoni, jo høyere blir den resulterende musikken, og når du bruker sangere med flere tone, får den ene linjen stor dybde og resonans. Kort sagt, det passer perfekt for akustikken i et stort, hult interiør i en gotisk katedral.

Gregoriansk sang ble aggressivt forfremmet av kirken, og spesielt av den hellige romerske keiseren Charlemagne, som tilsynelatende var en stor tilhenger av stilen, krevde presteskapet bare for å utføre gregorianske sang i sine tjenester på dødssmerter. Da paven Stephen V kom til makten i 885 A.D., hadde gregoriansk sang spredt seg over England, Tyskland, Skandinavia, Island, Finland og de østkatolske landene Polen, Moravia og Slovakia.

En av de viktigste bivirkningene ved å samle salmer fra disse små landskirkene, var erkjennelsen av at det ikke fantes en standardisert måte å skrive musikk på, så alle sangene, for å bevare dem for ettertiden, måtte spilles inn ved bruk av et slags universelt system. Etter hvert førte disse eksperimentene med musikktranskripsjon til biskop Guido D’Arezzos oppfinnelse av solfege, som var det første universalt brukte (og forstått) notasjonssystemet for musikk i Europa etter det romerske imperiet.

1100 A.D. — Organum / europeisk polyfoni

Ikke lenge etter oppfinnelsen og rask spredning av solfege, ble det mulig for komponister - fremdeles stort sett elitemedlemmer i den romersk-katolske kirke - å begynne å legge til lite harmoniske blomstrer til den melodiske linjen til gregoriansk sang. For selv om det var fullt mulig for folk å synge disse harmoniske blomstrene på egen hånd, gjør de fleste sangere som følger med notene ikke det, og når sangerne er en del av et kirkekor fra 1100-tallet, gjør de det absolutt ikke legge til at vokalen blomstrer på egen hånd. Disse blomstrer kalles organum, eller polyfoni, som bare betyr et musikkstykke med mer enn en sangdel - nærmere bestemt melodi pluss harmoni. Noen av de første eksperimentene med transkribert organum ble skrevet ned av Guido D’Arezzo selv, som viser hvor selvsikker han var i sitt nye system for universalmusikktranskripsjon.

Flere typer organum ble brukt i tidlig europeisk polyfoni. Det er parallelt organum, der de samme notene blir sunget av alle medlemmer av koret, men er uttrykt i forskjellige oktaver. I fritt organum kan de øverste (høyeste) og nederste (laveste) stemmene til koret variere hvordan de holder en lapp, med korets sterke midtseksjon som bærer melodien. I Notre Dame melismatic organum kan bunnstemmen variere fra melodien både i tone og rytme, mens i St. Martial melismatic organum kommer disse variasjonene til uttrykk i toppstemmen.

Tatt i sammenheng med moderne musikk, virker disse ikke som store sprang i komposisjonell stil, men det faktum at disse bittesmå blomstrene nå kunne skrevet på et stykke noter for andre kor å gjenskape nær perfekt var sannsynligvis et stort insentiv for komponister å komme med mer interessant og komplisert musikk. Det er også passende at omtrent samme tid som D’Arezzo presenterte sitt solfege-system, var glassmalerier blitt perfeksjonert og kirken begynte å installere enorme glassmalerier i sine katedraler, noe som gjorde et besøk i din nabolagskirke til en visuell så vel som lydhendelse.

1649 — England, Diggerne

Diggerne startet som en gruppe på femten protestantiske bønder og grunneiere som bestemte seg for å danne sin egen kommune og isolere seg fra resten av England, spesifikt fra monarkiets og Englands kirke. Grunnleggerne av Quaker-aktivisten Gerrard Winstanley, trodde Diggerne (eller True Levellers, som de også noen ganger kalles) på økonomisk likhet og en streng utjevning av den sosiale ordenen. De regnes for å være det første europeiske sosialistisk / anarkistiske samfunn etter det romerske imperiet, og mens de var et relativt lite samfunn av gruppeeide gårder spredt over England, varte effekten av ideene deres, og spesielt musikken deres, århundrer lenger enn de gjorde.

I 1649 begynte Diggers grønnsakshager i vanlige land i Surrey og la ut kunngjøringer i området der de kunngjorde gratis kjøtt, drikke og klær til alle som ville bli med i deres kommune og hjelpe til med å arbeide fellesmarken. Deres intensjon var å få nok innbyggere til å bli med i Diggers og bidra med sine små pakker med land for å føre til at hele området skulle bli privateid felleseie. Fordi eiendomsbesittelse liknet makten, ville dette gjøre Diggers til en mektig politisk påvirker, så de lokale myndighetene trådte inn og jaget Diggerne ut av Surrey. I løpet av de neste par årene dukket det opp mindre Digger-samfunn i andre deler av England, men innen 1651 var bevegelsen over, stort sett på grunn av innblanding fra myndighetene. Borte, men ikke glemt - mer enn 300 år senere, en avlegger av San Francisco Mime Troupe som kalte seg Diggers, opprettet leir i Golden Gate Park og ga ut gratis mat, gratis klær og forkynte for forbipasserende om sosialisme, anarki og gledene av å leve en agrarisk livsstil.

En av de overraskende arvene fra de kortvarige Diggers er deres protesthymn, komponert av Winstanley, kalt “Diggers’ Song. ”Denne hymnen ble båret av Quakers inn i den nye verdenen, hvor den ble adoptert av Amish, Menonites og andre jordiske religiøse grupper, og senere arbeiderbevegelser i USA, Storbritannia og Sovjetunionen. Den engelske folkesingeneren Leon Rosselson spilte inn hymnen under tittelen "You Noble Diggers All", mens popbandet Chumbawamba inkluderte det i deres utgivelse av engelske Rebel Songs 1381-1914 fra 1988.

1600-tallet: Italia, opera

Selv om operaen i dag blir presentert som noe som for det meste verdsettes av elitemusikkforbrukere, da den først kom til uttrykk på scenen, var den ment for alle. Akkurat som de gamle grekerne hadde sitt teater, romerne hadde sitt colosseum, og Elizabethan England hadde sine skuespill, hadde italienere fra 1600-tallet sin opera. Mens de fleste operaforestillinger opprinnelig ble avduket i sine lånerehus - som den første anerkjente italienske operaen, Daphne, som først ble vist privat i 1598 på eiendom av komponisten Jacopo Corsi - etter den første forestillingen, kunne du se og høre det samme opera fremført gjentatte ganger i rom over hele Italia. Puppeteers ville ofte basere handlingene sine på populære operaer, og gjenaktivert live-sceneshowet i miniatyr til glede for barn og voksne. Den som definerer operaens kvalitet er ikke kostymer eller sett eller kvalitet på sangere - det er slik at hele forestillingen blir sunget, og hvis det er noen betydningsfulle talende deler i en forestilling, blir produksjonen betraktet som musikkteater.

Selv om opera var ment for populært konsum, er det ikke å si at oppfinnerne av opera, spesifikt italiensk opera, ikke hadde utrolig høye ambisjoner om komposisjonene sine. Den opprinnelige hensikten med italiensk opera var å kombinere kompleks poesi med like kompleks musikk med det formål å drive en historielinje på tvers, slik at du ender opp med en syntese av alle populære underholdningsgenrer. På denne måten var opera egentlig ment å være for alle - fans av god musikk, fans av stor litteratur og fans av vakre sett og kostymer. Det er ingen regler om hva slags musikk det er i operaen, og det er grunnen til at dens grunnleggende form har overlevd i hundrevis av år, og har utviklet seg til å produsere spektakulære rockeoperaer som "Jesus Christ Superstar" og komiske operaer som "The Mikado ”(Og dens salongmusikkfylte filmatisering,“ The Cool Mikado ”).

1789-1799: Den franske revolusjonen

Mange anser den franske revolusjonen som fødselen til den moderne protestlåten, ved at det ble introdusert sanger som lett kunne læres og tilpasses alt etter hva som skjedde. Riktig navn ble lett byttet ut i disse sangene, så vel som spesifikke hendelser og stedsnavn. De laget den perfekte marsjeringssangen for mobber av revolusjonære.

Den kanskje mest kjente av disse sangene er 1792s "La Carmagnole", som nå regnes som den offisielle sangen under den franske revolusjonen. Navnet på den opprinnelige komponisten er tapt, men melodien, ofte akkompagnert av villdans, spredte seg som en fyrbål blant de franske bondeklassene. Under revolusjonen ble sangen omgjort til et krigsskrik i slaget ved Jemappes i 1792, sammen med en annen populær sang, "La Marseillaise." Samme år stormet tusenvis av bønder Paris 'Tuileries-palass og sang "La Carmagnole" (“Gå, Louis, stor krybaby / fra tempelet inn i tårnet”) da de tvang Louis XVI og hans konserner til å flykte fra palasset.

Siden revolusjonen har "La Marseillaise" blitt den franske nasjonalsangen, ofte sunget i forbindelse med "La Carmagnole."

1913 — Atonal Music og Igor Stravinskys “The Rite of Spring”

Atonal musikk er musikk uten tonalsenter, noe som ganske enkelt betyr at den ikke er angitt i noen tast. Arnold Schoenberg, Béla Bartók, Igor Stravinsky og Leon Kirchner er noen av de bedre kjente komponistene av klassisk atonal musikk, mens jazzmusikere som Duke Ellington og Eric Dolphy komponerte mange gratis jazzverk uten tonalsenter.

På begynnelsen av 1900-tallet hadde imidlertid det alminnelige klassiske publikum nesten ingen kontakt med atonale komposisjoner. Selv om Bartók ble ansett som en innflytelsesrik atonalkomponist nå, var han bedre kjent i sin storhetstid for å oppsøke og reprodusere østeuropeisk folkemusikk, og de fleste av hans atonalkomposisjoner ble bare hørt av folk som aktivt oppsøkte dem. Schoenberg var en annen atonalkomponist som anses som svært innflytelsesrik nå, men i løpet av tiden var han professor ved Second Viennese School of Music, ble mye av hans arbeid i atonalitet ansett som mer en akademisk øvelse enn et forsøk på å skape musikk for massene. Faktisk var det uttalte målet med å komponere atonal musikk av Second Viennese School å bekjempe en opplevd "krise av tonalitet" i mainstream musikk.

Atonal musikk hadde bejublet i de mørke underjordiske musikkscenene på universiteter og gallerier i flere tiår da Igor Stravinsky slapp den ut av et publikum som allerede var skranglet med ankomsten av første verdenskrig i Paris 'premiere i 1913 for sitt mest kjente orkesterverk, “Rite of Spring.” Famous, resultatet førte til rapporterte voldelige konfrontasjoner mellom overklassen som kom og ventet på å høre vakker, tilgjengelig musikk og “Bohemian” -gruppen som elsket alt og alt nytt fordi de hatet status quo så mye.

"Musikken går alltid til lappen ved siden av den du forventer," skrev en overveldende kritiker om natten. Den uvanlige bruken av fagott til den høye åpningsdelen av melodien ble også gjentatte ganger kommentert, det samme var de “aggressive” pulserende rytmene som tilsynelatende inspirerte mannen som satt rett bak musikkritikeren Carl Van Vechten til å begynne å dunke i tide på den bemerkede journalistens hode. Selv om følgende forestillinger av Rite of Spring ikke har resultert i opptøyer som premieren gjorde, fortsetter publikum å bli skremt, forferdet og begeistret av komposisjonen, inkludert generasjoner av barn som for alltid vil sidestille orkestersammensetningen med fredelige planteetende dinosaurier som blir terrorisert av en marauding Tyrannosaurus Rex i Disneys Fantasia.

1950-1990: Latin-Amerika og den iberiske halvøy, "Nueva Canción" (den nye sangbevegelsen)

Nueva canción var en musikalsk bevegelse som startet nesten samtidig i Argentina, Chile og Spania, og spredte seg over den iberiske halvøya i Europa og overalt i Latin-Amerika. Dets meget politiske tekster, satt til hvilken som helst musikk som var tradisjonell den spesifikke regionen, reflekterte uroen fra iberiske folkeslag under diktaturet til Francos Spania og autoritarismen i Salazars Portugal, mens i Latin-Amerika fokuserte nueva canción på å trekke løs de siste restene av europeiske kolonialisme.

Både i Europa og Latin-Amerika ble musikken integrert knyttet til revolusjonær politikk og arbeiderbevegelser. Musikerne ble ofte fengslet, "forsvunnet", eksilert, torturert og blankt drept av forskjellige høyresidiktaturer for musikken sin. Den chilenske låtskriveren Víctor Jaras musikk overlevde langt sin komponist - under Pinochet-kuppet i Chile ble Jara ført sammen med tusenvis av andre demonstranter til Chile stadion, hvor han ble torturert og skutt. Under Pinochet ble det tatt beslag i og ødelagt nueva canción-innspillinger, og radiostasjoner ble forbudt å spille musikken. Til og med tradisjonelle andinske instrumenter ble forbudt i et forsøk på å quash nueva canción musikk helt. Denne perioden i den chilenske historien er kjent som apagón-kulturell - den kulturelle blackout.

Som historien har vist mange ganger, ødelegger ikke politisk innblanding og undertrykkelse alltid en sang eller en idé. Førti år etter at den ble spilt inn første gang, fant den chilenske låtskriveren Violeta Paras sang, “Gracias a la Vida” (“Thanks to the Life”) nytt liv som hymnen for den ukrainske oransje revolusjonen, tydelig på den andre siden av planeten. I mellomtiden gikk den argentinske folkesingeneren Atahualpa Yupanqui fra å være en politisk eksil fra hjemlandet i 1931 til å bli invitert av den franske regjeringen til å komponere et stykke til minne om Bicentennialen til den franske revolusjonen i 1989.

1960-tallet: U.S. Civil Rights Movement

Det er kanskje ingen protestlåter som er mer kjent for publikum i USA enn de fra Civil Rights Movement. Dette er sannsynligvis fordi de fleste av sangene som nå ble ansett som den offisielle Civil Rights-kanonen, ble omgjort til standarder av noen av 1900-tallets beste blues-, jazz- og folkemusikkutøvere.

Selv om den gikk foran Civil Rights Movement, regnes Billie Holiday's "Strange Fruit", en sang om lynsjing, av mange for å være den offisielle sangen for bevegelsen. Selv om singelen ble utestengt fra luftbølgene på tidspunktet for utgivelsen i 1939, var det en så fantastisk, kraftig sang at den fortsatt solgte over en million eksemplarer. I 1965 spilte Nina Simone inn sin egen kraftige, skarpe versjon av sangen, noe som fikk noen musikkritikere til å straks kalle den "The Song of the Century." John Coltranes mørke, humørfylte jazzverk, "Alabama," ble skrevet etter at han hørte om de fire små jentene drept i en kirkebombing i Birmingham, Alabama, og kan være en av få gjenkjennelige protestlåter uten tekst.

Motsatt, en annen sang som eksemplifiserte Civil Rights Movement, var Curtis Mayfields kraftig gledelige “People Get Ready”, som bar den grunnleggende beskjeden om at gode tider var rett rundt hjørnet, så du bør bli klar for dem. Sam Cookes "A Change Is Gonna Come" angående dette temaet, angivelig inspirert av egne erfaringer med å prøve å opptre på steder som bare er hvite i hele Amerika. Disse følelsene blir også gjengitt i tekstene til folkesanger Bob Dylans motkultursangsang, "The Times They Are A-Changin '." Men kanskje sa ingen sang det bedre, høyere eller dristigere enn den frittalende sosiale aktivisten og selvutnevnte leder av den afro-amerikanske bevegelsen, James Brown. Brown skrev "Si det høyt, jeg er svart og jeg er stolt" under en reise til Vietnam for å underholde troppene - sangen har blitt hymnen for Civil Rights Movement gjennom sine mange permutasjoner til i dag.

1980-tallet: Estland Singing Revolution

Kanskje en av de mest fantastiske revolusjonene de siste årene var den estiske sangrevolusjonen, som nådde sine mål om å bli uavhengig av Sovjetunionen med stort sett ikke-voldelige, fredelige midler.

Under Russlands - senere Sovjetunionens - okkupasjon, var estlendere i århundrer forbudt å synge sine tradisjonelle sanger eller til og med å snakke språket sitt. I stedet for å la deres innfødte kultur dø under denne okkupasjonen, holdt imidlertid Estlands befolkning sine sanger og litteratur og språk levende i hemmelighet, frem til 1869, da forlegger Johann Voldemar Jannsen organiserte den første sangfeiringen som del av en underjordisk estisk nasjonal oppvåkningsbevegelse . Over 800 sangere deltok på den første festivalen, og alle sangene ble sunget på estisk.

Russiske myndigheter la ikke så mye oppmerksomhet til festivalen, muligens fordi for mange mennesker deltok i den fredelige festivalen for at de kunne svare på noen måte som ikke ville føre til virkelig dårlig reklame for dem. En andre og tredje festival ble organisert i løpet av få år, og ved den fjerde festivalen i 1891 deltok også kvinner i korene. Noen år etter dette hadde hundrevis av barn også sluttet seg til, og da var det ikke noe som helst noen kunne gjøre for å hindre befolkningen i Estland i å synge.

Koret fortsatte å vokse jevnlig gjennom første verdenskrig, andre verdenskrig, og overlevde flere heftige og skremmende propagandakampanjer rettet mot sangere og estisk nasjonalisme generelt av Stalin. Til tross for trusler om arrestasjon og fengsling under det nye U.S.S.R, ville 20.000 til 30.000 sangere om gangen dukke opp for å synge estiske folkesanger trassende hvert år, med resten av landet strømme inn på messeområdet for å se og synge med. Heving av det forbudte estiske flagget over seg mens de sang, fortsatte forestillingene å være fredelige og ikke voldelige selv i de verste tider.

I 1988 bidro musikere i Tartu Pop Music Festival med originalt materiale i tillegg til at de sang de utestengte tradisjonelle sangene, og løsnet en følelse av nasjonal identitet som fikk titusenvis av publikumsmedlemmer knytte hender og synge sammen. Påfølgende festivaler så politikere fra hele verden dukke opp for å støtte den estiske saken og være vitne til sangfestivalene, spesielt korene som hadde vokst til å omfatte hele 10% av befolkningen i Estland.

I 1991, etter at den estiske kongressen og Supreme Soviet formelt avvist sovjetisk lovgivning og erklært Estland som en uavhengig stat, krysset sovjetiske stridsvogner inn i republikken i et forsøk på å undertrykke den estiske nasjonalismebevegelsen. De sovjetiske tanksene rettet spesielt mot radiotårnene som sendte estisk musikk for å styrke folketallet, og hundrevis av estlendere tok gjengjeldelse ved å danne et ikke-voldelig menneskelig skjold rundt radiostasjonene som tankene ikke kunne trenge gjennom uten å trekke militæret fra resten av verden . Samme år anerkjente den nye russiske ledelsen formelt Estlands og de andre baltiske staters uavhengighet.

2010-2012: Arabisk vår

Til tross for at sang og dans i mange arabiske stater anses som skammelig, har populærmusikk, spesielt hip-hop og rap, trivdes som en underjordisk musikalsk bevegelse. På 1990-tallet startet arabiske samfunn utenfor Midt-Østen, spesielt i Tyskland og Frankrike, til og med opp plateselskaper som spesialiserte seg på tyrkisk, palestinsk og tunisisk rapmusikk, med utøvere som ikke fikk radiospill i hjemlandet og knapt var kjent utenfor av deres umiddelbare fanbase. Amerikansk hip-hop- og rapmusikk ble også smuglet til arabiske stater, der fans av smugardsjangeren lagde flere eksemplarer for å formidle til venner.

Mye av dette endret seg med den arabiske våren, som startet da tunisiske demonstranter styrte president Zine El Abidine Ben Ali. Nesten over natten spratt lignende protester opp i Egypt, Yemen og Marokko, hvorav de fleste var organisert av unge menn og kvinner som følte at de ikke hadde en stemme i en regjering som består av aldrende teokrater. Et av de mange spørsmålene som gjentatte ganger ble brakt opp var sensur av kunst, musikk og ungdomskultur generelt, og som et resultat, kanskje det mest varige inntrykket omverdenen hadde av den arabiske våren, var de hundrevis av musikalkonserter som brøt spontant ut over hele Midtøsten. Saudiarabiske rappere som Dark2Men opptrådte offentlig for første gang uten frykt for øyeblikkelig fengsel, og det samme gjorde Tunisias El General, Marokkos El Haqed og Palestines DAM.

Selv om mange av målene med den arabiske våren fremdeles ikke har kommet i verk, er det som har skjedd at de arabiske staters protestmusikk har nådd ørene til både den lokale befolkningen og resten av verden. Mange arabiske band har nå YouTube-kanaler som regelmessig blir oppdatert med nye sanger og videoer, noe som gir dem tryggheten ved å ha et publikum som vet at de eksisterer. Den hip-hopmusikken fra den arabiske våren har blitt motstandens stemme og adressert fattigdom, vold, narkotikabruk og sosial ulikhet.