1. Art CenterMusic Hva er musikkteori?

Av Michael Pilhofer

Noe av det viktigste å huske på musikkteori er at musikk kom først. Musikk eksisterte i tusenvis av år før teori fulgte med for å forklare hva folk prøvde å oppnå når de dunket på trommene sine.

Så tenk aldri på at du ikke kan være en god musiker bare fordi du aldri har tatt en teoriklasse. Faktisk, hvis du er en god musiker, vet du sannsynligvis allerede mye teori. Det er ikke sikkert at du kjenner terminologien eller teknologiene.

musikkteori på keyboard

Konseptene og reglene som utgjør musikkteori er omtrent som de grammatiske reglene som styrer skriftspråk (som også fulgte med etter at folk med hell hadde oppdaget hvordan de skulle snakke med hverandre). Akkurat som å kunne transkribere språk gjorde det mulig for folk langt borte å "høre" samtaler og historier slik forfatteren hadde til hensikt, å kunne transkribere musikk lar musikere lese og spille komposisjoner akkurat som komponisten hadde tenkt.

Å lære å lese musikk er mye som å lære et nytt språk, til et punkt der en flytende person kan "høre" en musikalsk "samtale" når du leser et stykke noter.

Mange mennesker i verden kan ikke lese eller skrive, men de kan fortsatt kommunisere tankene og følelsene sine muntlig. På samme måte har mange intuitive, selvlærte musikere aldri lært å lese eller skrive musikk og synes hele ideen om å lære musikkteori kjedelig og unødvendig. Men akkurat som de pedagogiske sprangene som kan komme med å lære å lese og skrive, kan musikkteori hjelpe musikere til å mestre nye teknikker, utføre ukjente musikkstiler og utvikle tilliten de trenger for å prøve nye ting.

Unearthing musikkteoriens begynnelse

Fra hva historikere kan fortelle, da den eldgamle verden begynte å etablere seg - omtrent 7000 f.Kr. - musikkinstrumenter hadde allerede oppnådd en kompleksitet i design som ville bli ført helt inn i nåtiden. For eksempel er noen av beinfløytene som ble funnet fra denne tidsperioden fremdeles spillbare, og det er spilt inn korte forestillinger på dem for moderne lyttere å høre.

På lignende måte har piktogrammer og begravelses ornamenter vist at egypterne innen 3500 f.Kr. brukte harper så vel som dobbeltrørs klarinetter, lyr og deres egen versjon av fløyten. I 1500 f.Kr. hadde hetittene i Nord-Syria modifisert den tradisjonelle egyptiske lut- / harpe-designen og oppfant den første tostrengede gitaren, med en lang, frettert nakke, innstilt knagger øverst i nakken, og et hult lydplate for å forsterke lyden av strengene som plukkes.

Det gjenstår mange ubesvarte spørsmål om eldgamle musikk, som for eksempel hvorfor så mange forskjellige kulturer kom med så mange av de samme tonekvalitetene i musikken deres helt uavhengig av hverandre. Mange teoretikere har konkludert med at visse mønstre av notater bare høres riktig ut for lytterne, og at visse andre mønstre ikke gjør det. Musikkteori kan da ganske enkelt defineres som et søk etter hvordan og hvorfor musikk høres riktig eller feil ut. Med andre ord, formålet med musikkteori er å forklare hvorfor noe hørtes slik det gjorde og hvordan den lyden kan lages igjen.

Mange mennesker anser det antikke Hellas for å være selve fødestedet for musikkteori, fordi de gamle grekere startet hele skoler for filosofi og vitenskap som bygde rundt å dissekere alle aspekter av musikk som var kjent den gang. Til og med Pythagoras (trekantkaren) kom inn i handlingen ved å lage 12-toners oktavskala lik den som musikere og komponister fortsatt bruker i dag. Dette gjorde han via den første Circle of Fifths, et apparat som fortsatt er religiøst brukt av musikere fra alle samfunnslag.

En annen kjent gresk forsker og filosof, Aristoteles, er ansvarlig for mange bøker om musikkteori. Han begynte en rudimentær form for musikknotasjon som forble i bruk i Hellas og påfølgende kulturer i nesten tusen år etter hans død.

Faktisk ble det lagt så mye grunnlag for musikkteori i det gamle Hellas at betydelige endringer ikke virket nødvendige før den europeiske renessansen nesten 2000 år senere. Naboer og erobrere av Hellas var mer enn glade for å innlemme gresk matematikk, vitenskap, filosofi, kunst, litteratur og musikk i sine egne kulturer.

Grunnleggende om musikkteori

Selv om det ville være fint å være en av de menneskene som kan sitte på et hvilket som helst instrument og spille vakker musikk uten noen som helst trening, trenger de fleste noen slags strukturert instruksjon, enten fra en lærer eller fra å lese en bok. Her går vi over den grunnleggende informasjonen du trenger for å begynne å lære å lese musikk, spille skalaer, forstå nøkkelsignaturer, bygge akkorder og komponere med skjemaer.

Grunnlaget: Merk, hviler og slår

Det å lære å lese musikk er viktig for en musiker, spesielt en som vil dele musikken sin med andre musikere eller oppdage hva andre musikere spiller. Ved å studere de grunnleggende elementene, for eksempel tidsverdier for hver type skriftlig tone, musikalske hviler, tidsunderskrifter og rytme, setter du deg selv på banen til å mestre musikk. Alle disse elementene kommer sammen for å etablere et fundament som lar deg lese, spille og studere musikk.

Manipulere og kombinere notater

Det er avgjørende for å lage og studere musikk å lese musikalske notater både på diskant- og basspaltstavene, samt å finne noter på piano og gitar - de to vanligste instrumentene folk lærer seg å spille på.

Når du kan lese notater på stavene, kan du bestemme et musikalsk stikkes tastesignatur, som er en gruppe symboler som forteller deg hvilken nøkkel den sangen er skrevet i. Du kan bruke Circle of Fifths til å trene deg selv til å lese tastesignaturer ved synet ved å telle skarpene eller leilighetene i en tidssignatur.

Etter at du har blitt kjent med nøkkelsignaturer, er du klar til å gå videre til intervaller, akkorder og akkordprogresjoner, som skaper kompleksiteten til musikalsk lyd - fra behagelig og beroligende til anspent og trenger oppløsning. Du bygger skalaer og akkorder ved å bruke enkle eller sammensatte intervaller: melodisk og harmonisk.

Koble tastaturet til musikknotasjon

Før renessanseperioden skjedde det få virkelig innovative endringer innen musikkteknologi. Strengeinstrumenter, treblåsere, horn og slaginstrumenter hadde eksistert i tusenvis av år, og selv om de hadde opplevd mange forbedringer innen design og spillteknikk, var de egentlig de samme instrumentene som ble brukt av folket i eldgamle kulturer. Det var først på 1300-tallet at et nytt musikalsk grensesnitt dukket opp: tastaturet.

Med oppfinnelsen av tastaturet kom begynnelsen på moderne musikalsk notasjon - skrevet musikk. Tastatur-notasjonskoblingen ble fostret på grunn av det enkle å komponere for fulle orkestre på tastaturet. Dessuten ble de fleste nyoppdragsgavene laget for tastaturinstrumenter på grunn av publikums oppfatning av tastaturet som et overordnet instrument.

Det femtende århundre franske komponister begynte å legge så mange linjer som de trengte til sine musikalske stavene. De skrev også musikk med flere stavene som skulle spilles samtidig av forskjellige instrumenter. Fordi tastaturet har så mange notater tilgjengelig, begynte separate stavene for venstre- og høyrehåndsspilling å bli brukt. Disse stavene er basskniven og diskantklaven.

Tastaturer hadde også fordelen av å være utrolig enkle å bygge akkorder på. På 1600-tallet ble det femkantede personalet ansett som standard for mest musikkinstrumenter - sannsynligvis fordi det var enklere og billigere å trykke bare en slags noter som musikere kunne komponere på. Systemet har ikke endret seg mye de siste fire århundrene, og det vil sannsynligvis ikke endre seg før et nytt, mer tiltalende instrumentgrensesnitt kommer inn i scenen.

Musikalsk form og komposisjoner

Mest populær og klassisk musikk er komponert ved hjelp av spesifikke former. En form er en strukturell blåkopi som brukes til å lage en viss type musikk. Byggesteinene i form inkluderer musikalske fraser og perioder, og rytme, melodi og harmoni kommer inn i bildet for å skape sjangeren eller stilen til et stykke musikk.

Når du setter deg ned for å skrive musikk, må du velge hvilken form du skal følge; for eksempel klassisk eller populær. Du kan velge mellom mange forskjellige klassiske og populære former, inkludert sonater, konserter, 16-bar blues og vers-kor-form. Du kan lage variert lyd i uansett hvilken form du velger ved å spille med tempo, dynamikk og instrumenttonefarge.

Hvordan teori kan hjelpe musikken din

Hvis du ikke visste bedre, kan du tro at musikk var noe som kunne begynne på et hvilket som helst notat, dra dit du måtte ønske det, og stoppe når utøveren hadde lyst til å hente et glass iste. Selv om det er sant at mange mennesker har vært med på musikalske forestillinger som faktisk følger denne stilen med "komposisjon", er disse forestillingene for det meste forvirrende og irriterende selvglad og føler seg litt meningsløse.

De eneste som kan trekke en spontan jam godt, er de som kjenner musikk grundig nok til å stable akkorder og notater ved siden av hverandre slik at de gir mening for lytterne. Og fordi musikk iboende er en form for kommunikasjon, er det å koble seg til lytterne.

Det å lære mer om musikkteori er også utrolig inspirerende. Ingenting kan beskrive følelsen du får når lyspæren slukker i hodet ditt, og du plutselig skjønner at du kan sette en 12-bars bluesprogresjon sammen og bygge en virkelig god sang ut av den. Eller når du kan se på et stykke klassisk musikk og finne deg frem til å spille gjennom den for første gang. Eller første gang du setter deg ned for å jamne med vennene dine og finner ut at du har selvtillit til å ta ledelsen.

Som musiker er det uunngåelige faktum dette: Det du får ut av musikken er det du legger i den. Hvis du vil være i stand til å spille klassisk musikk, må du vite hvordan du skal lese og se hvordan du holder en jevn takt. Hvis du planlegger å bli rockegitarist, er det spesielt viktig å vite hvilke noter du trenger for å spille i en gitt nøkkel. Å vite hvordan man spiller musikk krever mye personlig disiplin, men til slutt er det verdt alt det harde arbeidet. Pluss at selvfølgelig er det morsomt å spille musikk, og det er utrolig morsomt å vite hvordan man spiller musikk. Alle elsker en rockestjerne / jazzmann / Mozart.

  1. Art CenterMusicMusic Theory: Popular Genres and Forms

Av Michael Pilhofer

Det er vanskelig å diskutere form når man snakker om populærmusikk fordi begrepet ofte misbrukes. Tenk på form som den spesifikke måten et musikkstykke er konstruert på, med regler for den typen musikks konstruksjon. Sjanger, derimot, refererer til en sangs stil, for eksempel instrumenteringen som brukes, overordnet tone i musikken, og så videre.

Noen populære moderne musikksjangre har imidlertid eksistert lenge nok til at spesifikke mønstre kan sees i deres samlede konstruksjon. Disse sjangrene er

  • Blues Folk / rock / pop pop jazz

Feeling the Blues

Blues er den første virkelig amerikanske folkemusikken (bortsett fra den unike musikken som indianerne hadde før den europeiske invasjonen). Strukturen til blues er den felles stamfaren til stort sett alle andre konstruksjoner av amerikansk populærmusikk og har vært innflytelsesrik over hele verden. Rundt begynnelsen av 1900-tallet hadde feltholler, kirkemusikk og afrikansk slagverk smeltet sammen i det som nå er kjent som blues. I 1910 var ordet blues for å beskrive denne musikken mye brukt.

Bluesmusikk bruker sang, eller ternær, form i tre deler som følger et AABA-mønster av I-, IV- og V-akkorder i en gitt skala. B-seksjonen er broen, en kontrasterende seksjon som forbereder lytteren eller utøveren for retur av den originale A-seksjonen. (Mange mennesker klager over at rockemusikk bare bruker tre akkorder: I-, IV- og V-akkordene. Vel, alt startet med blues!)

Blues blir nesten alltid spilt på 4/4 tid, med rytmen slått ut enten i vanlige kvartoner eller i åttende notater og med sterke aksenter gitt både på første og tredje beats av hvert mål.

De vanligste typene blues-sanger er 12-bar blues, 8-bar blues, 16-bar blues, 24-bar blues og 32-bar blues. "Linjen" refererer til hvor mange mål som brukes i hver stil av blues. Hvis du er i et blått humør, kan du sjekke ut de følgende seksjonene for mer om disse vanlige blues-sangtypene.

12-stolps blues

Navnet er ganske selvforklarende: I 12-stolps blues har du 12 barer, eller målinger, av musikk å jobbe med. I hvert vers av 12-stolps blues (du kan ha så mange vers som du vil, men vanligvis har en 12-stolps blues-komposisjon tre eller fire), fungerer det tredje 4-bar segmentet for å løse de forrige 4 stolpene. Oppløsningen, eller konklusjonen, til I-akkorden på slutten av verset kan signalisere slutten på sangen. Eller, hvis den 12. linjen er en V-akkord, signaliserer oppløsningen til I-akkorden at du går tilbake til begynnelsen av sangen for å gjenta progresjonen for et annet vers. Hvis sangen fortsetter til et nytt vers, kalles V-akkorden på slutten av sangen snuoperasjonen.

Det mest brukte mønsteret - les fra venstre til høyre, starter øverst og arbeider ned - for 12-stolps blues ser slik ut:

Så hvis du spilte en 12-bars blues-sang i tasten C, ville du spilt den slik:

Hvis du kan treffe disse akkordene i den rekkefølgen, har du bare bein for Muddy Waters klassiker "You Can't Lose What You Ain't Never had." Endre tonic (I) akkorden til en A (AAAA DDAA EDAE / A ), og du har Robert Johnsons “Crossroads Blues.”

Hvis du spiller 12-stolps blues i en mindre tast, er dette det vanlige mønsteret du skal bruke:

Count Basiees berømte og elskede variasjon på 12-bar blues tok elementer av både store og mindre tangenter, som vist her:

8-bars blues

8-stangs blues ligner på 12-stangs blues - den har bare kortere vers i seg og en litt annen vanlig bruk av akkordprogresjoner. Her er standardmønsteret som brukes til 8-stolps blues:

16-stolps blues

En annen variant av de grunnleggende 12-stolps-bluesene er 16-stolps blues. Der 8-stolps blues er fire stolper kortere enn 12-stolps blues, er 16-stolps blues, som du sikkert kan gjette, så mye lenger.

16-stolps blues bruker den samme grunnleggende akkordmønsterstrukturen som 12-stolps blues, med 9. og 10. mål angitt to ganger, slik:

24-stolps blues

24-stolps bluesprogresjon ligner en 12-stolps tradisjonell bluesprogresjon bortsett fra at hver akkordprogresjon blir doblet i løpet av varigheten, slik:

32-stolps bluesballader og land

32-bar blues-mønsteret er der du ser de virkelige røttene til rock- og jazzmusikk. Denne utvidede versjonen av 12-bar blues-mønsteret har AABA-strukturen, også kalt sangform, som ble adoptert av rockeband på 1960-tallet. Mønsteret blir også referert til som SRDC-modellen: Uttalelse (A1), Omformering (A2), Avreise (B) og Konklusjon (A3).

En typisk 32-bars blues-layout kan se slik ut:

Da den ble opprettet for første gang, var 32-stolps blues ikke så populær blant “ekte” bluesutøvere som 12-stolpsstrukturen var, delvis fordi den ikke fungerte like bra med den korte ring-og-svar-formen til lyrikk som øremerket blues. Det fungerte bra for countrymusikgenren, og Hank Williams (sr.) Brukte denne konstruksjonen i sanger som “Your Cheating Heart” og “I'm So Lonesome (I Could Cry).” Freddy Fender brukte denne strukturen i treffene hans "Wasted Days and Wasted Nights" og "Before the Next Teardrop Falls."

Men når denne spesielle bluesstrukturen ble plukket opp av mennesker som Irving Berlin og George Gershwin; mye - kanskje alle - av blues sanne hjerte forsvant fra den resulterende musikken. 32-bar blues overgikk til populære sanger som “Frosty the Snowman” og “I Got Rhythm.”

32-stolps blues ble også betydelig endret av intervensjonen fra andre klassisk trente komponister, som blandet ideene til sonaten og rondoen med den tradisjonelle amerikanske blues. Resultatet var en eventuell opprettelse av sanger som ikke var blåblå og som brukte slike aspekter ved klassisk musikk som muligheten til å bytte tangenter under brodelen av en sang.

Ha det gøy med rock og pop

De fleste tidlige rock- og poplåter følger strukturen til enten 12-bar blues eller 32-bar blues (se de seksjonene tidligere i dette kapitlet). Chuck Berrys "Johnny B. Goode" er en variant av 12-stangs bluesstruktur brukt i rock, og det samme er Rolling Stones "19. nervøse sammenbrudd." Beach Boys var mestere av 32-barsstrukturen, og brukte den i slike sanger som “Good Vibrations” og “Surfer Girl.” Beatles brukte også denne strukturen i mange av sangene deres, inkludert “From Me to You” og “Hey Jude.” Jerry Lee Lewis “Great Balls of Fire”, The Rright Brothers “ You've Lost That Loving Feeling, og Led Zeppelin's "Whole Lotta Love" bruker også alle AABA 32- bar. I 32-bar popmusikk blir musikken delt inn i fire 8-bar seksjoner. Sanger som Fats Wallers “Ain't Misbehavin” og Duke Ellingtons “It Don't Mean a Thing” følger AABA 32-stolpsstrukturen, mens Charlie Parker tok rondo-tilnærmingen (ABAC) til 32-bar variasjonen i sanger som "Ornitologi" og "Donna Lee."

Sammensatt AABA-skjema burde egentlig kalles AABAB2-skjema (men det er det ikke), for i denne formen, når du har spilt de første 32 stolpene, flytter du inn i en annen brodel (B2) som sender deg rett tilbake til begynnelsen av sangen for å gjenta de originale 32 stolpene i sangen. Beatles "Jeg vil holde hånden din", politiets "Hvert pust du tar," Boston "Mer enn en følelse", og Tom Petty og Heartbreakers "Flyktning" følger alle dette mønsteret. Vers-korstrukturen (også kalt ABAB-form) er den mest brukte formen innen rock og popmusikk i dag. Vers-korform følger strukturen til tekstene som er knyttet til den. Du kan selvfølgelig skrive et instrumentelt stykke som følger samme mønster som en vers-kor rock eller pop-sang, men strukturen i seg selv får navnet fra måten ordene i en sang passer sammen.

Vers-kor sanger er lagt opp slik:

  • Introduksjon (I): Introduksjonen setter stemningen og er vanligvis instrumentell, selv om den noen ganger kan inneholde en muntlig resitasjon, som i Prince's "Let’s Go Crazy." Vers (V): Verset begynner historien om sangen. Chorus (C): Chorus er de mest minneverdige lyriske punktene i sangen - sangen Vers (V): Et annet vers fortsetter historien. Chorus (C): Det andre koret forsterker kroken. Bridge (B): Bridge, som kan være instrumentell eller lyrisk, forekommer vanligvis bare en gang i sangen og danner en kontrast med repetisjonen av vers og kor. Chorus (C): Det endelige koret gjentar det originale refrenget til å falme, eller det stopper bare ved I-akkorden.

Den typiske rock- og pop-sangstrukturen, som vi beskriver den her, er IVCVCBC. Og akkurat som i 12-stolps bluesstruktur, er akkordene du har valgt I, IV og V akkordene.

Tusenvis, kanskje til og med millioner, av populære sanger følger denne strukturen. Beatles “Ob-La-Di, Ob-La-Da”, Tom Jones “Sex Bomb”, Kenny Rogers “The Gambler”, Lady Gaga’s “Poker Face” og Eminems “Lose Yourself” er alle eksempler på denne strukturen som brukes innen moderne popmusikk. Det virkelig fantastiske er hvor forskjellig fra hverandre, enten i kraft av tekster eller musikken i seg selv, den ene sangen kan høres fra den neste.

Improvisere med jazz

Den sanne ånden til jazz har alltid vært improvisasjon, noe som gjør det å identifisere selve konstruksjonen av jazz vanskeligst. Målet med jazz er å skape en ny tolkning av et etablert stykke (kalt en standard), eller å bygge videre på et etablert musikkstykke ved å endre melodien, harmoniene eller til og med tidssignaturen. Det er nesten som poenget med jazz er å bryte seg fra form.

Den nærmeste måten å definere hvordan jazz er konstruert på, er å ta den grunnleggende ideen bak bluesvokaliseringer - call-and-response vokalen - og erstatte stemmene med de forskjellige instrumentene som utgjør jazzlyden: messing, bass, perkussiv (inkludert piano) ), og blåseinstrumenter, sammen med den nyere inkluderingen, den elektriske gitaren. I Dixieland-jazz, for eksempel, tar musikere tur til å spille hovedmelodien på instrumentene sine, mens de andre improviserer motmelodier, eller kontrasterende sekundære melodier, som følger med i bakgrunnen.

Det ene forutsigbare elementet i musikken i jazzsjangeren - eksklusiv fri jazz, der det ikke brukes reelle merkbare regler men jazzinstrumentering - er rytmen. All jazzmusikk, med unntak av gratis jazz, bruker klar, vanlig meter og sterkt pulserende rytmer som kan høres gjennom musikken.

Tolvtone komposisjoner

Tolvtonet musikk - også kjent som seriekomposisjon - er en komposisjonsteknikk oppfunnet av den østerrikske komponisten Arnold Schoenberg i 1921, sterkt påvirket av de atonale komposisjonene til Bela Bartok og Igor Stravinsky. Tolvtonekomposisjoner er basert på den tolvtone kromatiske skalaen, der hver tone er atskilt fra den neste av et halvtrinn, i motsetning til den diatoniske skalaen, som er skalaen med åtte noter. Det morsomme med tolvtonekomposisjoner er at så lenge du følger mønstervariasjonene som er bygget på den første raden, kan du hoppe rundt til forskjellige oktaver for å øke interessen til komposisjonen din. Målet med en tolv-toners komposisjon er å bruke hver tone i den kromatiske skalaen før du gjentar noen notater. Hver sekvens på tolv notater kalles en "tonelinje", og tolvtonekomposisjoner er i utgangspunktet variasjoner på den første presenterte toneraden.

La oss si at tonelinjen din begynner på B naturlig og slutter på F naturlig, som vist.

Første rad (P-skjema)

Etter at du har lagt ut din første tonereie, eller primærraden (eller P-form), kan den andre variasjonen din være en inversjon av det opprinnelige mønsteret, der du starter med B naturlig igjen, men hvor du i det første mønsteret ta et halvt trinn ned på den andre lappen, du går et halvt trinn opp på den andre lappen i stedet. Dette kalles inversjonsformen, eller jeg-form, som vi ser her. I utgangspunktet, alt du gjorde i det første mønsteret, tar du den motsatte tilnærmingen i inversjonen, som fører deg til en F naturlig en oktav over der du startet.

inversjonsform

En annen måte å legge ut lappene på kalles et retrogradmønster, eller R-form. Det er her du starter på den siste lappen i den første toneraden (F) og presenterer hele linjen igjen bakover, og slutter på B, som vist.

retrograd mønster

Den siste ofte brukte formen, retrograd inversjon (RI-form), er når du tar R-formen og gjør nøyaktig motsatte trinn du har gjort i det retrograde mønsteret. Så i det følgende, med start på en høy F, går du ned tre halvtoner (som slutter på en D), noe som er akkurat det motsatte som du gjorde i R-formen, hvor du startet på en F og gikk opp tre halvdel -toner til en A-flat, som vist.

Retrograde inversjonsform

Selv om det er mange andre kombinasjoner mulig, er dette de tre grunnleggende komposisjonsteknikkene som brukes i tolvtonekomposisjoner. Den kanskje mest kjente samtidige tolvtones / seriekomponisten er Philip Glass, hvis karakteristiske tolvtonekomposisjoner er blitt brukt mye i lydspor for filmer inkludert North Star (1977), Candyman (1992), The Truman Show (1999) og The Hours (2002).

  1. Art CenterMusicMusic Theory: Staff, Clefs and Notes

Av Michael Pilhofer

Noter og hviler i musikk er skrevet om hva musikere kaller en musikalsk stab (eller stav, hvis du snakker om to). En stab er laget av fem parallelle horisontale linjer, som inneholder fire mellomrom mellom dem, som vist.

Primære staver

Notater og hviler er skrevet på linjene og mellomrommene til personalet. De spesielle musikknotene som menes med hver linje og rom, avhenger av hvilken clef som er skrevet i begynnelsen av personalet. Du kan løpe over hvilken som helst av følgende kløfter (selv om de to første er de vanligste):

  • Diskant clef Bassnøkkel C-clefs, inkludert alt og tenor

Tenk på hver clef som en graf over tonehøyder, eller toner, vist som notater plottet over tid på fem linjer og fire mellomrom. Hver tonehøyde eller tone er oppkalt etter en av de syv første bokstavene i alfabetet: A, B, C, D, E, F, G, A, B, C ... og det fortsetter på den måten på ubestemt tid og gjentar notatnavnene som tonehøydene gjentas i oktaver. Plassene stiger når du går fra A til G, med hver åttende lapp - der du går tilbake til startbokstaven din - som betyr begynnelsen på en ny oktav.

Følgende avsnitt gir deg mer informasjon om kløftene hver for seg og sammen (kalt en storslagen stab). Vi tar også en titt på C-sleven og når du kanskje krysser stier med den.

Diskantklaven

Diskantklaven er for noter med høyere tone. Den inneholder notene over midten C på pianoet, som betyr alle tonene du spiller med høyre hånd på pianoet. På gitaren er diskantklaven det eneste slepet du noensinne har lest. De fleste treblåsingsinstrumenter, høye messinginstrumenter og fioliner fester seg bare til diskanten. Ethvert instrument som lager øverste eller høye lyder, har musikken skrevet i diskanten.

Diskanten er også noen ganger kalt G-sleven. Legg merke til at formen til diskanten i seg selv ligner en stilisert G. Sløyfen på diskanten er også en sirkel rundt den andre linjen på staven, som er notatet G, som vist.

G-spalte

Merknadene er plassert i diskantklaven på linjer og mellomrom, i rekkefølge av stigende stigning, som vist.

diskant clef notater

Bassespalte

På pianoet inneholder basklyfen lave tone, de under midten C, inkludert alle tonene du spiller med venstre hånd på pianoet. Musikk er vanligvis skrevet i basshylsen for lavere blåseinstrumenter som fagott, de nederste messinginstrumentene som tuba, og de nedre strengstrengene som bassgitaren.

Et annet navn for bassspalt er F-klyven. Den krøllete toppen av sleven omkranser delvis der F-lappen er på stokken, og den har to prikker som omgir F-lappen, som vist. (Det ser også litt ut som en kursfull bokstav F, hvis du bruker fantasien.)

F clef

Merknadene på baskålen er ordnet i stigende rekkefølge, som vist.

bass clef notater

Storstaben og midten av C.

Sett diskanten og basslekkene sammen, så får du storslagen stab, som vist.

Stor stab

Midt C ligger en linje under diskantklaven og en linje over basskallen. Men det er ikke i noen av dem. I stedet er det skrevet på en hovedbok linje. Hovedbokslinjer er linjer skrevet over basskniven og under diskantklaven som er nødvendige for å koble de to kløftene. Sett det hele sammen, og notene flyter jevnt fra det ene slevet til det andre uten avbrudd.

C clefs: Alto og tenor

Noen ganger kan du komme over et dyr som kalles Clef. C clef er en bevegelig clef som du kan plassere på en hvilken som helst linje av ansatte. Linjen som går gjennom midten av C-sleven, uansett hvilken linje som er, regnes som midten C, som du kan se.

midt C

C-clefs er å foretrekke i klassisk notasjon for instrumentalområder som svever rett over eller rett under midten av C. I stedet for å konstant måtte veksle mellom å lese diskant og bass-clefs, har en musiker bare en musikalsk stab å lese.

C-clefs ble oftere brukt før notene ble standardisert og i stand til lett å imøtekomme et bredt spekter av toner. I dag er de eneste C-skjulene som vanligvis brukes, følgende:

  • Altoskiven: Setter midtre C på den tredje stabslinjen; oftest brukt til å skrive bratsjmusikk. Tenorspalte: Setter midten C på den neste til topplinjen i staben; oftest brukt til å skrive cello-, trombon- og fagottmusikk.
  1. Art CenterMusicMusic Theory: Counting with Simple Time Signatures

Av Michael Pilhofer

Enkle tidsunderskrifter er de enkleste å telle, fordi en en-to-puls i et stykke musikk føles det mest naturlige for en lytter og utøver. Følgende fire krav indikerer at en tidssignatur er enkel:

  • Hver takt er delt inn i to like komponenter. Hvis en enkelt takt har mer enn en tone, blir disse notene alltid gruppert sammen til en like takt. Denne egenskapen er mest åpenbar når den brukes på åttende og mindre notater. På enkel tid er alltid to åttende toner koblet sammen med en bjelke som kalles en bjelke, og det samme er fire sekstende toner, eller åtte tretti sekunders toner. (Hvis du har to sekstende notater og en åttende lapp, er de tre notene, som tilsvarer en takt, også strålte sammen.) Følgende figur viser utviklingen til hvordan notene stråles sammen på enkel tid. Notatet som får en takt, må være en ubemerket lapp. Når du teller en sang i hodet ditt, vil du bare telle ubemerkede notater som kan deles med to. Vanligvis betyr dette at du teller kvartoner, men det er også mulig at du teller halve toner, hele toner eller noen ganger åttende toner.

I løpet av 4/4 tid, for eksempel, i hodet teller du "En-to-tre-fire" om og om igjen. Om 3/4 tid vil det være "en-to-tre" om og om igjen; om 2/4 tid, "en-to."

  • Det øverste tallet er ikke delbart med 3, bortsett fra når det er. For eksempel blir 3/4 og 3/8 ansett som enkle tidsunderskrifter, mens 6/4, 6/8 og 9/16 ikke er (fordi de er delbare med 3; dette er sammensatte tidssignaturer). Antall takter er det samme for hvert mål. Hvert mål, eller bar, av musikk i en enkel tidssignatur har samme antall takter gjennom hele sangen. Etter at du har kommet i sporet av å telle ut tiden, trenger du ikke å bekymre deg for å gjøre noe annet enn å sørge for at notene i sangen følger som slår hele veien gjennom.
Enkle tidsunderskrifter

Følgende avsnitt forklarer hvordan du kan bruke tiltak for å telle på enkel tid og gi deg litt telleøvelse.

Bruke tiltak for å telle på enkel tid

Tiltak (eller barer) hjelper utøvere med å holde rede på hvor de befinner seg i et stykke musikk, og hjelper dem å spille riktig beat. På enkel tid er tiltaket der den sanne rytmen til et stykke musikk kan merkes, selv om du bare leser et stykke musikk uten å spille det.

På enkel tid plasseres en litt sterkere aksent på første takten av hvert mål.

Her er noen vanlige eksempler på enkle tidsunderskrifter (noen beskriver vi i de følgende seksjonene):

  • 4/4: Brukes i populær, klassisk, rock, jazz, country, bluegrass, hip-hop og house-musikk 3/4: Brukes til valser og ballader på land og vest 2/4: Brukes i polkas og marsjer 3/8: Brukes i valser, minuetter og land- og vestballader 2/2: Brukes i marsjer og saktebevegende prosesjonaler

Teller 4/4 gang

Når du ser en musikklinje som har en 4/4-tidssignatur som den i figuren nedenfor, telles rytmen slik:

Én to tre fire EN to tre fire EN to tre fire

4/4 gang

Det nederste nummeret 4 i tidssignaturen i figuren forteller deg at kvartnoten får takten, og det øverste nummeret 4 forteller deg at hvert mål inneholder fire takter, eller fire kvartsnoter.

Fordi 4/4 tid så ofte brukes i populære typer musikk, blir det ofte referert til som vanlig tid. I stedet for å skrive “4/4” for tidssignaturen, skriver noen komponister bare en stor “C” i stedet.

Teller 3/4 gang

Hvis tidssignaturen til en musikklinje er 3/4, som i figuren nedenfor, telles takten slik:

ONE to three ONE two three ONE two three

3/4 gang

Teller 3/8 gang

Hvis tidssignaturen er 3/8, får den første lappen i tiltaket - uansett hva det måtte være - et lite stress. I denne figuren er den første noten en åttende merknad.

3/8 gang

Du regner ut takten til musikken som er vist i figuren slik:

ONE to three ONE two three ONE two three

Tidsignaturene 3/8 og 3/4 har nesten nøyaktig den samme rytmestrukturen på måten slåtten telles av. Fordi 3/8 bruker åttende noter i stedet for kvartoter, får de åttende notene imidlertid takten.

Teller 2/2 tid

Hvis tidssignaturen til en linje er 2/2, også kalt kuttetid, får halvtonen takten. Og fordi det øverste tallet bestemmer at tiltaket inneholder to takter, vet du at hvert mål har to halvtoner, som vist.

2/2 tid

Du teller musikken i figuren slik:

ONE two ONE two

Tidsunderskrifter med et 2 som lavere antall ble mye brukt i middelalder- og førmiddelaldermusikk. Musikk fra denne perioden brukte en rytmestruktur, kalt en taktus - senere kalt en minim - som var basert på rytmemønsteret til et menneskelig hjerterytme.

Øve på å telle takter i enkel tid

Bruk informasjonen fra de foregående seksjonene, og øv på å telle ut taktene (ikke notene) som er vist i den følgende serien. Når du teller disse taktene høyt, må du huske å gi den første takten et lite stress. For en utfordring, prøv å tappe ut lappene mens du teller taktene høyt.

Oppgave 1

EN to tre fire | EN to tre fire | En to tre fire

Enkel tidsøvelse en

Oppgave 2

EN to tre | EN to tre | En to tre

Enkel tid øvelse to

Oppgave 3

EN to tre | EN to tre | En to tre

Enkel tidsøvelse tre

Oppgave 4

EN to tre | EN to tre | En to tre

Enkel tidsøvelse fire

Oppgave 5

EN to | EN to | En to

Enkel tidsøvelse fem
  1. Art CenterMusic10 Musikkbevegelser som endret historie

Av Michael Pilhofer

Vanskeligheten med å sette sammen en topp ti-liste over revolusjonerende musikk eller musikalske bevegelser er at så mye av det moderne vestlig sivilisasjon kjenner til revolusjonerende musikk er veldig begrenset. Historien er full av mennesker som den spanske presten Diego de Landa, som viet sitt liv til å ødelegge Maya-litteratur og historie, eller keiser Jovian, som ødela alle ikke-kristne tekster og musikalske partitur i Library of Antioch, eller Genghis Khan, som berømt sparket og ødelagt bibliotekene i Iran og Irak.

Følgende kan bare betraktes som en delvis liste over noen av de revolusjonerende teknikkene som endret musikk generelt, så vel som noe av den revolusjonerende musikken som forandret verden.

800 A.D. England, gregoriansk sang

Gregoriansk sang kan ikke virke som en revolusjonerende form for musikk, ved at dens historie og bruk nærmest er uløselig knyttet til den romersk-katolske kirke - den er til og med oppkalt etter pave Gregor I, som blir kreditert for å popularisere formen. Men siden musikk var en så viktig del av gudstjenestene, og så mye av den vestlige sivilisasjonen var påvirket av hva som ble tillatt og ikke tillatt av den tidlige kirken, er det fornuftig at fremkomsten av det er et utgangspunkt for mange musikalske nyvinninger og revolusjoner.

Gregoriansk sangmusikk

Et stykke tilbake i dagene da all underholdning var live, var en av de mange grunnene til at mange mennesker strømmet til gudstjenester for underholdningsverdien - mye arbeid og penger ble strømmet inn i byggingen av middelalderkirker, noe som resulterte i enorme, vakre bygninger med fantastiske akustikk for koropptredener. På 900-tallet begynte pave Gregor I å samle salmer fra mindre landskirker og plukket ut det beste som skulle brukes i vanlige gudstjenester i hele Europa. Fordi musikkinstrumenter ikke var tillatt i kirken den gang, ble alle salmene samlet inn en cappella, vanligvis av et helt mannskor. Mens de fleste musikkteoretikere bestrider forestillingen om at pave Gregor I oppfant gregoriansk sang, er det godt forstått at mannen var en ekte musikkelsker, og dedikerte det meste av livet sitt med å oppsøke, samle og introdusere musikk til massene.

Det definerende trekk ved gregoriansk sang er at den er utført monofonisk a cappella. I monofonisk musikk fremføres en enkelt musikalsk linje av en eller flere stemmer, uten kontrasterende harmoni. Jo flere stemmer du setter sammen i en monofoni, jo høyere blir den resulterende musikken, og når du bruker sangere med flere tone, får den ene linjen stor dybde og resonans. Kort sagt, det passer perfekt for akustikken i et stort, hult interiør i en gotisk katedral.

Gregoriansk sang ble aggressivt forfremmet av kirken, og spesielt av den hellige romerske keiseren Charlemagne, som tilsynelatende var en stor tilhenger av stilen, krevde presteskapet bare for å utføre gregorianske sang i sine tjenester på dødssmerter. Da paven Stephen V kom til makten i 885 A.D., hadde gregoriansk sang spredt seg over England, Tyskland, Skandinavia, Island, Finland og de østkatolske landene Polen, Moravia og Slovakia.

En av de viktigste bivirkningene ved å samle salmer fra disse små landskirkene, var erkjennelsen av at det ikke fantes en standardisert måte å skrive musikk på, så alle sangene, for å bevare dem for ettertiden, måtte spilles inn ved bruk av et slags universelt system. Etter hvert førte disse eksperimentene med musikktranskripsjon til biskop Guido D’Arezzos oppfinnelse av solfege, som var det første universalt brukte (og forstått) notasjonssystemet for musikk i Europa etter det romerske imperiet.

1100 A.D. — Organum / europeisk polyfoni

Ikke lenge etter oppfinnelsen og rask spredning av solfege, ble det mulig for komponister - fremdeles stort sett elitemedlemmer i den romersk-katolske kirke - å begynne å legge til lite harmoniske blomstrer til den melodiske linjen til gregoriansk sang. For selv om det var fullt mulig for folk å synge disse harmoniske blomstrene på egen hånd, gjør de fleste sangere som følger med notene ikke det, og når sangerne er en del av et kirkekor fra 1100-tallet, gjør de det absolutt ikke legge til at vokalen blomstrer på egen hånd. Disse blomstrer kalles organum, eller polyfoni, som bare betyr et musikkstykke med mer enn en sangdel - nærmere bestemt melodi pluss harmoni. Noen av de første eksperimentene med transkribert organum ble skrevet ned av Guido D’Arezzo selv, som viser hvor selvsikker han var i sitt nye system for universalmusikktranskripsjon.

Flere typer organum ble brukt i tidlig europeisk polyfoni. Det er parallelt organum, der de samme notene blir sunget av alle medlemmer av koret, men er uttrykt i forskjellige oktaver. I fritt organum kan de øverste (høyeste) og nederste (laveste) stemmene til koret variere hvordan de holder en lapp, med korets sterke midtseksjon som bærer melodien. I Notre Dame melismatic organum kan bunnstemmen variere fra melodien både i tone og rytme, mens i St. Martial melismatic organum kommer disse variasjonene til uttrykk i toppstemmen.

Tatt i sammenheng med moderne musikk, virker disse ikke som store sprang i komposisjonell stil, men det faktum at disse bittesmå blomstrene nå kunne skrevet på et stykke noter for andre kor å gjenskape nær perfekt var sannsynligvis et stort insentiv for komponister å komme med mer interessant og komplisert musikk. Det er også passende at omtrent samme tid som D’Arezzo presenterte sitt solfege-system, var glassmalerier blitt perfeksjonert og kirken begynte å installere enorme glassmalerier i sine katedraler, noe som gjorde et besøk i din nabolagskirke til en visuell så vel som lydhendelse.

1649 — England, Diggerne

Diggerne startet som en gruppe på femten protestantiske bønder og grunneiere som bestemte seg for å danne sin egen kommune og isolere seg fra resten av England, spesifikt fra monarkiets og Englands kirke. Grunnleggerne av Quaker-aktivisten Gerrard Winstanley, trodde Diggerne (eller True Levellers, som de også noen ganger kalles) på økonomisk likhet og en streng utjevning av den sosiale ordenen. De regnes for å være det første europeiske sosialistisk / anarkistiske samfunn etter det romerske imperiet, og mens de var et relativt lite samfunn av gruppeeide gårder spredt over England, varte effekten av ideene deres, og spesielt musikken deres, århundrer lenger enn de gjorde.

I 1649 begynte Diggers grønnsakshager i vanlige land i Surrey og la ut kunngjøringer i området der de kunngjorde gratis kjøtt, drikke og klær til alle som ville bli med i deres kommune og hjelpe til med å arbeide fellesmarken. Deres intensjon var å få nok innbyggere til å bli med i Diggers og bidra med sine små pakker med land for å føre til at hele området skulle bli privateid felleseie. Fordi eiendomsbesittelse liknet makten, ville dette gjøre Diggers til en mektig politisk påvirker, så de lokale myndighetene trådte inn og jaget Diggerne ut av Surrey. I løpet av de neste par årene dukket det opp mindre Digger-samfunn i andre deler av England, men innen 1651 var bevegelsen over, stort sett på grunn av innblanding fra myndighetene. Borte, men ikke glemt - mer enn 300 år senere, en avlegger av San Francisco Mime Troupe som kalte seg Diggers, opprettet leir i Golden Gate Park og ga ut gratis mat, gratis klær og forkynte for forbipasserende om sosialisme, anarki og gledene av å leve en agrarisk livsstil.

En av de overraskende arvene fra de kortvarige Diggers er deres protesthymn, komponert av Winstanley, kalt “Diggers’ Song. ”Denne hymnen ble båret av Quakers inn i den nye verdenen, hvor den ble adoptert av Amish, Menonites og andre jordiske religiøse grupper, og senere arbeiderbevegelser i USA, Storbritannia og Sovjetunionen. Den engelske folkesingeneren Leon Rosselson spilte inn hymnen under tittelen "You Noble Diggers All", mens popbandet Chumbawamba inkluderte det i deres utgivelse av engelske Rebel Songs 1381-1914 fra 1988.

1600-tallet: Italia, opera

Selv om operaen i dag blir presentert som noe som for det meste verdsettes av elitemusikkforbrukere, da den først kom til uttrykk på scenen, var den ment for alle. Akkurat som de gamle grekerne hadde sitt teater, romerne hadde sitt colosseum, og Elizabethan England hadde sine skuespill, hadde italienere fra 1600-tallet sin opera. Mens de fleste operaforestillinger opprinnelig ble avduket i sine lånerehus - som den første anerkjente italienske operaen, Daphne, som først ble vist privat i 1598 på eiendom av komponisten Jacopo Corsi - etter den første forestillingen, kunne du se og høre det samme opera fremført gjentatte ganger i rom over hele Italia. Puppeteers ville ofte basere handlingene sine på populære operaer, og gjenaktivert live-sceneshowet i miniatyr til glede for barn og voksne. Den som definerer operaens kvalitet er ikke kostymer eller sett eller kvalitet på sangere - det er slik at hele forestillingen blir sunget, og hvis det er noen betydningsfulle talende deler i en forestilling, blir produksjonen betraktet som musikkteater.

Selv om opera var ment for populært konsum, er det ikke å si at oppfinnerne av opera, spesifikt italiensk opera, ikke hadde utrolig høye ambisjoner om komposisjonene sine. Den opprinnelige hensikten med italiensk opera var å kombinere kompleks poesi med like kompleks musikk med det formål å drive en historielinje på tvers, slik at du ender opp med en syntese av alle populære underholdningsgenrer. På denne måten var opera egentlig ment å være for alle - fans av god musikk, fans av stor litteratur og fans av vakre sett og kostymer. Det er ingen regler om hva slags musikk det er i operaen, og det er grunnen til at dens grunnleggende form har overlevd i hundrevis av år, og har utviklet seg til å produsere spektakulære rockeoperaer som "Jesus Christ Superstar" og komiske operaer som "The Mikado ”(Og dens salongmusikkfylte filmatisering,“ The Cool Mikado ”).

1789-1799: Den franske revolusjonen

Mange anser den franske revolusjonen som fødselen til den moderne protestlåten, ved at det ble introdusert sanger som lett kunne læres og tilpasses alt etter hva som skjedde. Riktig navn ble lett byttet ut i disse sangene, så vel som spesifikke hendelser og stedsnavn. De laget den perfekte marsjeringssangen for mobber av revolusjonære.

Den kanskje mest kjente av disse sangene er 1792s "La Carmagnole", som nå regnes som den offisielle sangen under den franske revolusjonen. Navnet på den opprinnelige komponisten er tapt, men melodien, ofte akkompagnert av villdans, spredte seg som en fyrbål blant de franske bondeklassene. Under revolusjonen ble sangen omgjort til et krigsskrik i slaget ved Jemappes i 1792, sammen med en annen populær sang, "La Marseillaise." Samme år stormet tusenvis av bønder Paris 'Tuileries-palass og sang "La Carmagnole" (“Gå, Louis, stor krybaby / fra tempelet inn i tårnet”) da de tvang Louis XVI og hans konserner til å flykte fra palasset.

Siden revolusjonen har "La Marseillaise" blitt den franske nasjonalsangen, ofte sunget i forbindelse med "La Carmagnole."

1913 — Atonal Music og Igor Stravinskys “The Rite of Spring”

Atonal musikk er musikk uten tonalsenter, noe som ganske enkelt betyr at den ikke er angitt i noen tast. Arnold Schoenberg, Béla Bartók, Igor Stravinsky og Leon Kirchner er noen av de bedre kjente komponistene av klassisk atonal musikk, mens jazzmusikere som Duke Ellington og Eric Dolphy komponerte mange gratis jazzverk uten tonalsenter.

På begynnelsen av 1900-tallet hadde imidlertid det alminnelige klassiske publikum nesten ingen kontakt med atonale komposisjoner. Selv om Bartók ble ansett som en innflytelsesrik atonalkomponist nå, var han bedre kjent i sin storhetstid for å oppsøke og reprodusere østeuropeisk folkemusikk, og de fleste av hans atonalkomposisjoner ble bare hørt av folk som aktivt oppsøkte dem. Schoenberg var en annen atonalkomponist som anses som svært innflytelsesrik nå, men i løpet av tiden var han professor ved Second Viennese School of Music, ble mye av hans arbeid i atonalitet ansett som mer en akademisk øvelse enn et forsøk på å skape musikk for massene. Faktisk var det uttalte målet med å komponere atonal musikk av Second Viennese School å bekjempe en opplevd "krise av tonalitet" i mainstream musikk.

Atonal musikk hadde bejublet i de mørke underjordiske musikkscenene på universiteter og gallerier i flere tiår da Igor Stravinsky slapp den ut av et publikum som allerede var skranglet med ankomsten av første verdenskrig i Paris 'premiere i 1913 for sitt mest kjente orkesterverk, “Rite of Spring.” Famous, resultatet førte til rapporterte voldelige konfrontasjoner mellom overklassen som kom og ventet på å høre vakker, tilgjengelig musikk og “Bohemian” -gruppen som elsket alt og alt nytt fordi de hatet status quo så mye.

"Musikken går alltid til lappen ved siden av den du forventer," skrev en overveldende kritiker om natten. Den uvanlige bruken av fagott til den høye åpningsdelen av melodien ble også gjentatte ganger kommentert, det samme var de “aggressive” pulserende rytmene som tilsynelatende inspirerte mannen som satt rett bak musikkritikeren Carl Van Vechten til å begynne å dunke i tide på den bemerkede journalistens hode. Selv om følgende forestillinger av Rite of Spring ikke har resultert i opptøyer som premieren gjorde, fortsetter publikum å bli skremt, forferdet og begeistret av komposisjonen, inkludert generasjoner av barn som for alltid vil sidestille orkestersammensetningen med fredelige planteetende dinosaurier som blir terrorisert av en marauding Tyrannosaurus Rex i Disneys Fantasia.

1950-1990: Latin-Amerika og den iberiske halvøy, "Nueva Canción" (den nye sangbevegelsen)

Nueva canción var en musikalsk bevegelse som startet nesten samtidig i Argentina, Chile og Spania, og spredte seg over den iberiske halvøya i Europa og overalt i Latin-Amerika. Dets meget politiske tekster, satt til hvilken som helst musikk som var tradisjonell den spesifikke regionen, reflekterte uroen fra iberiske folkeslag under diktaturet til Francos Spania og autoritarismen i Salazars Portugal, mens i Latin-Amerika fokuserte nueva canción på å trekke løs de siste restene av europeiske kolonialisme.

Både i Europa og Latin-Amerika ble musikken integrert knyttet til revolusjonær politikk og arbeiderbevegelser. Musikerne ble ofte fengslet, "forsvunnet", eksilert, torturert og blankt drept av forskjellige høyresidiktaturer for musikken sin. Den chilenske låtskriveren Víctor Jaras musikk overlevde langt sin komponist - under Pinochet-kuppet i Chile ble Jara ført sammen med tusenvis av andre demonstranter til Chile stadion, hvor han ble torturert og skutt. Under Pinochet ble det tatt beslag i og ødelagt nueva canción-innspillinger, og radiostasjoner ble forbudt å spille musikken. Til og med tradisjonelle andinske instrumenter ble forbudt i et forsøk på å quash nueva canción musikk helt. Denne perioden i den chilenske historien er kjent som apagón-kulturell - den kulturelle blackout.

Som historien har vist mange ganger, ødelegger ikke politisk innblanding og undertrykkelse alltid en sang eller en idé. Førti år etter at den ble spilt inn første gang, fant den chilenske låtskriveren Violeta Paras sang, “Gracias a la Vida” (“Thanks to the Life”) nytt liv som hymnen for den ukrainske oransje revolusjonen, tydelig på den andre siden av planeten. I mellomtiden gikk den argentinske folkesingeneren Atahualpa Yupanqui fra å være en politisk eksil fra hjemlandet i 1931 til å bli invitert av den franske regjeringen til å komponere et stykke til minne om Bicentennialen til den franske revolusjonen i 1989.

1960-tallet: U.S. Civil Rights Movement

Det er kanskje ingen protestlåter som er mer kjent for publikum i USA enn de fra Civil Rights Movement. Dette er sannsynligvis fordi de fleste av sangene som nå ble ansett som den offisielle Civil Rights-kanonen, ble omgjort til standarder av noen av 1900-tallets beste blues-, jazz- og folkemusikkutøvere.

Selv om den gikk foran Civil Rights Movement, regnes Billie Holiday's "Strange Fruit", en sang om lynsjing, av mange for å være den offisielle sangen for bevegelsen. Selv om singelen ble utestengt fra luftbølgene på tidspunktet for utgivelsen i 1939, var det en så fantastisk, kraftig sang at den fortsatt solgte over en million eksemplarer. I 1965 spilte Nina Simone inn sin egen kraftige, skarpe versjon av sangen, noe som fikk noen musikkritikere til å straks kalle den "The Song of the Century." John Coltranes mørke, humørfylte jazzverk, "Alabama," ble skrevet etter at han hørte om de fire små jentene drept i en kirkebombing i Birmingham, Alabama, og kan være en av få gjenkjennelige protestlåter uten tekst.

Motsatt, en annen sang som eksemplifiserte Civil Rights Movement, var Curtis Mayfields kraftig gledelige “People Get Ready”, som bar den grunnleggende beskjeden om at gode tider var rett rundt hjørnet, så du bør bli klar for dem. Sam Cookes "A Change Is Gonna Come" angående dette temaet, angivelig inspirert av egne erfaringer med å prøve å opptre på steder som bare er hvite i hele Amerika. Disse følelsene blir også gjengitt i tekstene til folkesanger Bob Dylans motkultursangsang, "The Times They Are A-Changin '." Men kanskje sa ingen sang det bedre, høyere eller dristigere enn den frittalende sosiale aktivisten og selvutnevnte leder av den afro-amerikanske bevegelsen, James Brown. Brown skrev "Si det høyt, jeg er svart og jeg er stolt" under en reise til Vietnam for å underholde troppene - sangen har blitt hymnen for Civil Rights Movement gjennom sine mange permutasjoner til i dag.

1980-tallet: Estland Singing Revolution

Kanskje en av de mest fantastiske revolusjonene de siste årene var den estiske sangrevolusjonen, som nådde sine mål om å bli uavhengig av Sovjetunionen med stort sett ikke-voldelige, fredelige midler.

Under Russlands - senere Sovjetunionens - okkupasjon, var estlendere i århundrer forbudt å synge sine tradisjonelle sanger eller til og med å snakke språket sitt. I stedet for å la deres innfødte kultur dø under denne okkupasjonen, holdt imidlertid Estlands befolkning sine sanger og litteratur og språk levende i hemmelighet, frem til 1869, da forlegger Johann Voldemar Jannsen organiserte den første sangfeiringen som del av en underjordisk estisk nasjonal oppvåkningsbevegelse . Over 800 sangere deltok på den første festivalen, og alle sangene ble sunget på estisk.

Russiske myndigheter la ikke så mye oppmerksomhet til festivalen, muligens fordi for mange mennesker deltok i den fredelige festivalen for at de kunne svare på noen måte som ikke ville føre til virkelig dårlig reklame for dem. En andre og tredje festival ble organisert i løpet av få år, og ved den fjerde festivalen i 1891 deltok også kvinner i korene. Noen år etter dette hadde hundrevis av barn også sluttet seg til, og da var det ikke noe som helst noen kunne gjøre for å hindre befolkningen i Estland i å synge.

Koret fortsatte å vokse jevnlig gjennom første verdenskrig, andre verdenskrig, og overlevde flere heftige og skremmende propagandakampanjer rettet mot sangere og estisk nasjonalisme generelt av Stalin. Til tross for trusler om arrestasjon og fengsling under det nye U.S.S.R, ville 20.000 til 30.000 sangere om gangen dukke opp for å synge estiske folkesanger trassende hvert år, med resten av landet strømme inn på messeområdet for å se og synge med. Heving av det forbudte estiske flagget over seg mens de sang, fortsatte forestillingene å være fredelige og ikke voldelige selv i de verste tider.

I 1988 bidro musikere i Tartu Pop Music Festival med originalt materiale i tillegg til at de sang de utestengte tradisjonelle sangene, og løsnet en følelse av nasjonal identitet som fikk titusenvis av publikumsmedlemmer knytte hender og synge sammen. Påfølgende festivaler så politikere fra hele verden dukke opp for å støtte den estiske saken og være vitne til sangfestivalene, spesielt korene som hadde vokst til å omfatte hele 10% av befolkningen i Estland.

I 1991, etter at den estiske kongressen og Supreme Soviet formelt avvist sovjetisk lovgivning og erklært Estland som en uavhengig stat, krysset sovjetiske stridsvogner inn i republikken i et forsøk på å undertrykke den estiske nasjonalismebevegelsen. De sovjetiske tanksene rettet spesielt mot radiotårnene som sendte estisk musikk for å styrke folketallet, og hundrevis av estlendere tok gjengjeldelse ved å danne et ikke-voldelig menneskelig skjold rundt radiostasjonene som tankene ikke kunne trenge gjennom uten å trekke militæret fra resten av verden . Samme år anerkjente den nye russiske ledelsen formelt Estlands og de andre baltiske staters uavhengighet.

2010-2012: Arabisk vår

Til tross for at sang og dans i mange arabiske stater anses som skammelig, har populærmusikk, spesielt hip-hop og rap, trivdes som en underjordisk musikalsk bevegelse. På 1990-tallet startet arabiske samfunn utenfor Midt-Østen, spesielt i Tyskland og Frankrike, til og med opp plateselskaper som spesialiserte seg på tyrkisk, palestinsk og tunisisk rapmusikk, med utøvere som ikke fikk radiospill i hjemlandet og knapt var kjent utenfor av deres umiddelbare fanbase. Amerikansk hip-hop- og rapmusikk ble også smuglet til arabiske stater, der fans av smugardsjangeren lagde flere eksemplarer for å formidle til venner.

Mye av dette endret seg med den arabiske våren, som startet da tunisiske demonstranter styrte president Zine El Abidine Ben Ali. Nesten over natten spratt lignende protester opp i Egypt, Yemen og Marokko, hvorav de fleste var organisert av unge menn og kvinner som følte at de ikke hadde en stemme i en regjering som består av aldrende teokrater. Et av de mange spørsmålene som gjentatte ganger ble brakt opp var sensur av kunst, musikk og ungdomskultur generelt, og som et resultat, kanskje det mest varige inntrykket omverdenen hadde av den arabiske våren, var de hundrevis av musikalkonserter som brøt spontant ut over hele Midtøsten. Saudiarabiske rappere som Dark2Men opptrådte offentlig for første gang uten frykt for øyeblikkelig fengsel, og det samme gjorde Tunisias El General, Marokkos El Haqed og Palestines DAM.

Selv om mange av målene med den arabiske våren fremdeles ikke har kommet i verk, er det som har skjedd at de arabiske staters protestmusikk har nådd ørene til både den lokale befolkningen og resten av verden. Mange arabiske band har nå YouTube-kanaler som regelmessig blir oppdatert med nye sanger og videoer, noe som gir dem tryggheten ved å ha et publikum som vet at de eksisterer. Den hip-hopmusikken fra den arabiske våren har blitt motstandens stemme og adressert fattigdom, vold, narkotikabruk og sosial ulikhet.